Vissuto lungamente in Francia, dove divenne l'autorevole e inflessibile direttore del Conservatorio parigino, Cherubini recò grandi innovazioni nel teatro musicale, rivoluzionando le convenzioni operistiche.
Incoraggiato dal padre, iniziò gli studi musicali ancora bambino, perfezionandosi poi a Bologna con Giuseppe Sarti, con l'aiuto del quale, non ancora ventenne, mise a punto la sua prima opera.
Trasferitosi per un periodo a Londra, dove ottenne fra l'altro la nomina di compositore di corte, e dopo un altro breve soggiorno a Torino, fissò la sua residenza definitiva a Parigi nel 1788, dove, tramite l'amicizia di Viotti, entrò in contatto con gli ambienti aristocratici.
Nominato direttore del "Théátre de Monsieur", aderì poi alle iniziative di Bernard Sarrette, creatore di una banda musicale e di una scuola di musica, e dal '94 divenne insegnante al Conservatorio.
Dopo l'incontrastato successo dell'opera Medée, godette di fama internazionale, nonostante la poca simpatia dimostratagli da Napoleone.
Quindi ebbe occasione di recarsi a Vienna, nel 1805, dove conobbe Haydn.
Invitato nel 1815 a Londra dalla Philarmonie Society, tornò infine a Parigi dove divenne direttore della Cappella reale.
Direttore del Conservatorio dal 1821, proseguì questo impegno fino al termine della sua vita lasciando un'eredità musicale ammirata da intere generazioni di grandi musicisti, da Beethoven a Brahms.
Compose più di 30 Opere, diverse Messe e altre pagine sacre, cantate e altre pagine vocali, una Sinfonia.

Un'esasperata sensibilità caratterizza la vita inquieta e tormentata di Ciaikovski, che nella sua musica esprime in modo immediato e suggestivo i più diversi stati emotivi.
Dopo gli anni della prima gioventù, divisi tra musica e scuola di diritto, nel '62 si iscrisse al Conservatorio di San Pietroburgo, divenendo allievo di Anton Rubinstein e diplomandosi nel '65.
In seguito divenne insegnante di armonia presso il Conservatorio di Mosca, allacciando qualche anno più tardi rapporti con l'ambiente del "Gruppo dei Cinque".
Dopo il fallimento del matrimonio con Antonina Miljakova, nel '77, e un tentato suicidio, avviò un singolare rapporto con Nadieida von Meck che gli garantì una libertà di movimento assoluta e una rendita annua.
Da allora, abbandonato l'insegnamento e senza più problemi economici, poté dedicarsi completamente alla musica, conoscendo un successo internazionale notevolissimo, culminato con inviti negli Stati Uniti e con il conferimento di una laurea "honoris causa" da parte dell'Università di Cambridge.
La causa della sua morte, avvenuta a San Pietroburgo, fu a lungo attribuita ad un'epidemia di colera.
Qualche anno fa è avanzata, invece, l'ipotesi del suicidio.
Compose diverse Opere, 3 balletti, varie musiche di scena, pagine corali sacre e profane, 6 Sinfonie e altri lavori per orchestra, 3 Concerti per pianoforte e orchestra, uno per violino, variazioni per violoncello e orchestra, pezzi pianistici e per canto e pianoforte.

La musica di Anton Dvorak rappresenta il completamento e, insieme, il superamento dell'opera di Bedrich Smetana nel senso di una progressiva dilatazione cosmopolitica della musica boema.
Di famiglia modesta, fu spinto alla musica dal padre e nel 1857 si recò a Praga dove poté entrare alla Scuola organistica.
Dopo un'esperienza decennale come violinista nell'orchestra dell'Opera nazionale, per interessamento di Hanslick e Brahms ottenne una borsa di studio del governo, che gli permise di concentrarsi maggiormente sull'attività compositiva, in breve riconosciuta in ambito internazionale.
Nel '92 si trasferì negli Stati Uniti, dove fino al '95 diresse il Conservatorio di New York.
Dal 1901 assunse la direzione del Conservatorio di Praga, mantenuta fino alla morte.
Compose diverse Opere teatrali, 9 Sinfonie, 5 Poemi sinfonici, Concerti (per pianoforte, per violino, per violoncello), lavori corali, pianistici, liederistici.

Maestro del classicismo viennese, Haydn stabilì la forma della sonata, del quartetto e della sinfonia, realizzandone compiutamente l'equilibrio formale e armonico.
L'imperatrice d'Austria Maria Teresa amava sopra ogni altra cosa occuparsi personalmente del coro della Cattedrale di S. Stefano, a Vienna: quando ella lamentò che la pura voce di soprano del quindicenne Franz Joseph Haydn era ormai in mutazione, il maestro del coro si affrettò a sostituire Joseph col fratello minore, Michael Haydn.
Haydn trascorse gli anni seguenti a suonare per le strade di Vienna, a dare lezioni di musica, a esercitarsi col violino nelle soffitte, a studiare Bach sul suo clavicembalo e a comporre.
A 29 anni, entrò al servizio della grande famiglia ungherese Esterhazy, e per il resto della sua vita non ebbe più nulla di cui preoccuparsi sul piano delle necessità materiali.
Il mecenate di Haydn era il principe Nicola, il più ricco dei nobili del tempo: in una palude umida e battuta dai venti, a sud-ovest di Vienna, Nicola si fece costruire una favolosa residenza di campagna, che chiamò Esterhazy.
Era una specie di Versailles sul Danubio, coi suoi canali, i cervi nel grande parco, le grotte, due teatri (uno dei quali per l'opera), un coro di cappella, una sala da concerto, e un'orchestra di 16 elementi, l'ideale per un compositore che aveva bisogno di esprimere e creare, nonché di sviluppare quella forma che poi sarebbe stata portata sino al limiti delle sue possibilità da Beethoven, la Forma Sonata.
Ebbene, su questo principato musicale Haydn regnò come un re; dunque le sue vicende umane non influirono più di tanto sulla sua produzione musicale.
Se Haydn oggi porta l'etichetta di "classico", nel suo tempo fu sovente considerato un avventato innovatore, la cui orchestrazione era un po' troppo chiassosa.
Sebbene non sia del tutto vero che egli fu "il padre della sinfonia", come è stato chiamato, più di ogni altro, però, Haydn contribuì a porre la musica strumentale sullo stesso piano della musica vocale, e a favorire l'ascesa della musica da camera al livello e alla complessità richiesta dalle grandi sale da concerto.
Nella sua produzione, a parte lo sconfinato numero di Sinfonie (più di 100), un posto a parte merita quella quartettistica: lui come pochi altri compositori riuscì a creare strutture stupende come le raccolte dei quartetti d'archi.
Nella produzione pianistica, invece, egli seguì lo sviluppo e l'evoluzione sia della forma Sonata in sé che quella del linguaggio in essa usato, passando da un'estetica neo-barocca, a quella puramente classica, sino addirittura a dei timidi abbozzi di "romanticismo", nascosti qua e là tra le righe di quanto andava componendo.
Tra i concerti per strumento solista e orchestra, più che quelli per pianoforte eccellono quelli per violoncello e - soprattutto - quelli per violino e orchestra.
Copiosa anche la produzione vocale: tra tutte le sue composizioni, merita un posto speciale "La Creazione", un magnifico oratorio.
Haydn, con Mozart e Beethoven, costituiscono la triade generalmente denominata la "Scuola di Vienna": rimangono i padri del Classicismo, e sulla loro opera poggia tutto il Romanticismo, che esploderà in pieno '800.

La fama straordinaria di direttore d'orchestra ha oscurato per molto tempo l'attività creativa di Mahler, che solo nei tempi recenti è stata riconosciuta nei suoi valori di originalità e di anticipazione della musica moderna.
Di famiglia povera, iniziò lo studio della musica a 5 anni.
Dopo un breve periodo trascorso a Praga, si trasferì a Vienna dove poté frequentare il Conservatorio nelle classi di Epstein, Krenn e Fuchs.
Due anni più tardi avviò la carriera di direttore d'orchestra.
Diresse a Bad Hall, Lubiana, Olmiitz, Kassel, Praga, Lipsia, Budapest e Amburgo.
Chiusa l'esperienza amburghese, fu di nuovo a Vienna come direttore dell'Opera dove rimase fino al 1907, quindi a New York, in uno straordinario crescendo di notorietà, legata anche alle sue opinioni moderne in merito ai criteri interpretativi.
Parzialmente incompreso come compositore, diresse l'ultima volta nel febbraio del 1911 a New York.
Costretto a rientrare a Vienna per il peggioramento delle sue condizioni di salute, morì 3 mesi più tardi per una crisi cardiaca.
Compose 10 Sinfonie (l'ultima incompiuta) e molte pagine liederistiche.
Molte opere sono andate distrutte o perdute.

Il realismo di Modest Musorgskij, saldamente fondato sul canto popolare russo, oltrepassa le forme tradizionali della percezione musicale con un linguaggio immediato.
Avviato alla carriera militare, entrò nella Scuola dei Cadetti di Pietroburgo ma ben presto si dedicò interamente alla musica, entrando - non ancora ventenne - in contatto con Borodin, Dargomynski e Balakirev, col quale continuò gli studi di composizione.
Nel 1858 abbandonò definitivamente l'esercito, e cadde in totale povertà a causa dei moti rivoluzionari.
Lavorò poi per il Ministero degli interni, e tenne una lunga tournèe di concerti nella Russia meridionale.
Nel 1880 cessò ogni attività e visse miseramente; ricoverato nell'ospedale militare di Pietroburgo, vi morì d'infarto.
Il nome di Mussorgski, inizialmente legato a quello dei componenti del "Gruppo dei Cinque" si impose gradualmente all'attenzione del mondo come quello del maggiore compositore russo del secolo scorso.
Più di tutti i suoi contemporanei egli comprese che per liberarsi dalla pesante influenza della musica occidentale (francese, italiana e tedesca), era necessario attingere al patrimonio musicale del popolo russo.
Sulla scia di Glinka si volse così a temi nazionali a cui diede una veste interamente nuova, nel senso dell'individuazione di un linguaggio tutto personale e insieme di carattere nazionale, svincolato dalle coercizioni armoniche e formali di derivazione occidentale.
Di qui anche l'assurda accusa di dilettantismo mossa a Musorgskij: nel grandioso - e fu davvero tale - sforzo di abbandonare ogni schema che non fosse intrinseco ai modi musicali popolari egli, a differenza di Ciaikowski, non teme di impiegare forme assolutamente nuove e un linguaggio armonico e melodico sovente straordinariamente innovativo.
A parte i suoi Quadri di un'Esposizione, anche i suoi grandi affreschi sinfonici ben descrivono il suo sforzo storicamente significativo quanto necessario.

Precocissimo pianista e compositore, nonostante le aggressive asprezze timbriche e l'esasperato dinamismo ritmico, Prokofev rivela una costante disposizione all'effusione melodica.

Oltrepassati l'impressionismo e le evanescenti dissonanze debussyane, Maurice Ravel approda ad un mondo sonoro che, pur ancorato alle architetture tradizionali, accoglie le più recenti acquisizioni del linguaggio musicale.
Di padre francese e di madre basca, crebbe a Parigi, ricevendo le prime lezioni di pianoforte all'età di 7 anni.
Nell'89 entrò al Conservatorio, dove fu allievo di Charles de Bériot, Gédalge e Fauré.
Pur non uscendo nemmeno una volta vincitore al "Prix de Rome", nonostante quattro tentativi, nei primi anni del nuovo secolo si impose all'attenzione del pubblico con lavori originali e di indubbio valore.
Conclusi gli studi nel 1905, sentendosi in sintonia con le correnti più innovatrici nel 1909 fondò la "Société Musicale Indépendente" in antitesi alla "Société Nationale".
Nel frattempo le sue attività si facevano sempre più intense.
Durante la guerra si arruolò come autista, ma venne congedato per motivi di salute.
In seguito, ammirato dall'ambiente musicale internazionale, trovò un nuovo periodo fecondo, anche come pianista e direttore d'orchestra.
Gravi disturbi al cervello, causati da un incidente d'auto, gli spensero creatività e vita.
Compose opere teatrali, balletti, lavori per orchestra, 2 Concerti per pianoforte, pagine vocali e pianistiche.

Rimskij - Korsakov dette un contributo fondamentale alla nascita di un linguaggio musicale russo attraverso la sua duplice attività di compositore e insegnante. Autore di grandi capolavori sinfonici, fu anche un narratore colorito di leggende russe, per le quali recuperò temi del folclore nazionale.
Iniziò a studiare pianoforte a 6 anni, misurandosi ben presto con la composizione.
Nonostante l'avvio della carriera militare in marina, continuò ad approfondire lo studio della musica anche durante i tre anni passati sulla nave-scuola Almaz, nei quali rimase in corrispondenza con Balakirev, conosciuto nel '61.
Nel '71, abbandonando la marina, accettò la cattedra di composizione e strumentazione al Conservatorio di San Pietroburgo.
Si accostò anche a Ciaikowskij con l'intenzione di consolidare sempre più il suo bagaglio culturale, mentre si delineava il suo contrasto con le idee di Mussorgoskij.
Nel '74 successe a Balakirev come direttore della "Scuola libera di musica", occupandosi anche della diffusione della musica russa.
Nel 1905, per aver appoggiato una richiesta di autonomia del Conservatorio giudicata inopportuna, dovette dimettersi dall'insegnamento.
Riacquistò il posto, tuttavia, grazie a diverse pressioni esercitate in suo favore.
Successivamente organizzò un viaggio a Parigi con lo scopo di far conoscere la musica russa.
L'anno seguente, un malore improvviso pose fine alla sua esistenza.
La sua scuola fu decisiva per la formazione di molti musicisti russi.
Compose Opere, 3 Sinfonie e altri pezzi per orchestra, un Concerto per pianoforte, lavori corali, pianistici, vocali.

Compositore, critico e intellettuale, Robert Schumann rappresenta emblematicamente, nella ricerca di nuovi ideali formali, il travaglio dell'inquietudine romantica.
Figlio di un editore, si accostò giovanissimo alla poesia, alla letteratura ed alla musica.
Conclusi gli studi liceali, dopo il suicidio della sorella e la morte del padre, si trasferì a Lipsia, dove studiò pianoforte con Friedrich Wieck.
Fu costretto ad interrompere una brillante carriera di virtuoso, a causa di un infortunio alla mano destra, perciò si dedicò maggiormente alla composizione.
Nel '34 fondò la "Neue Zeitschrift fuer Musik" per la quale scrisse numerosissimi articoli di critica.
Divenne insegnante di pianoforte al Conservatorio di Lipsia, ma in breve tempo abbandonò l'incarico spostandosi prima a Dresda poi a Duesseldorf, sempre come direttore d'orchestra.
Soggetto a disturbi nervosi via via più gravi, nel '54 tentò il suicidio.
Trascorse gli ultimi anni in una casa di cura, tra le attenzioni della moglie, di Brahms e di Joseph Joachim.
Compose un'Opera, 4 Sinfonie e diverse Ouvertures per orchestra, Concerti per pianoforte, per violino, per violoncello, pezzi corali, pianistici, liederistici.

Sensibile interprete della bellezza malinconica del paesaggio nordico e dei miti nazionali, Sibelius incanala la propria aspirazione entro strutture compositive di ampio respiro e di grande sapienza orchestrale, che ne fanno un epigono del sinfonismo tardoromantico.
Intraprese lo studio del diritto, ma poi passò all'Istituto musicale di Helsinki dove rimase dall'85 all'89.
In seguito studiò a Berlino e a Vienna, divenendo allievo di Wegelius, Busoni, Fuchs e Goldmark.
Tornato in patria nel '92, portò a termine la sua prima importante composizione, "Kullervo", poema sinfonico con soli e coro che riscosse un immediato successo.
Dopo il matrimonio, divenne insegnante all'Istituto di musica e compose altri poemi sinfonici, nei quali la sua adesione al movimento nazionalista si manifestava chiaramente.
Un esempio è il titolo stesso dì una sua celebre composizione, "Finlandia" (1899).
Ottenuto uno stipendio annuo dal governo, che poi divenne un vitalizio, nel 1904 si trasferì a Járvenpáá dove rimase, a parte alcuni viaggi in Inghilterra e negli Stati Uniti, fino alla morte.
A partire dal 1926, in un crescendo di consensi e di notorietà internazionale, abbandonò quasi completamente l'attività compositiva.
Compose un'Opera, musiche di scena e molte composizioni sinfoniche (tra cui 7 Sinfonie), un Concerto per violino e orchestra, pagine corali, pianistiche, organistiche e liederistiche.

Compositore acclamatissimo all'epoca della Germania Guglielmina, Strauss lasciò una vasta produzione improntata ad una concezione descrittiva della musica e profondamente legata alla grande tradizione romantica tedesca.
Figlio di musicisti, si mise in mostra come compositore già nel 1881, a Monaco, quindi a Vienna e a New York.
Conobbe Hans von Bulow che, dopo aver scoperto anche le sue doti di direttore, lo nominò suo assistente e maestro del coro.
Conclusa l'esperienza a Meiningen accanto a Bulow, si trasferì all'Opera di Monaco come terzo direttore e maestro del coro.
Trascorse poi 5 anni alla corte di Weimar, debuttò a Bayreuth, quindi passò di nuovo a Monaco e, nel '98, a Berlino, come direttore dell'Orchestra reale prussiana.
Dal 1919 si trasferì all'Opera di Vienna, ma sei anni dopo abbandonò ogni impegno direttoriale per dedicarsi esclusivamente alla composizione.
Fu presidente della Camera musicale del Reich, e questo gli costò il processo di Norimberga, dal quale però uscì pienamente assolto.
Compose Opere, balletti, 2 Sinfonie e vari poemi sinfonici, Concerti per corno, per oboe, per violino, lavori per pianoforte e orchestra, pagine pianistiche, vocali, liederistiche.

Compositore geniale Stravinski ha attinto a un materiale immenso, dall'operismo classico al folclore e alla dodecafonia, operandone una ricapitolazione critica e insieme una ricreazione fantastica.
Incominciò a studiare musica relativamente tardi, quando, già avviato agli studi universitari di legge, incontrò il compositore Rimskij - Korsakov, che lo prese tra i suoi allievi.
Un approfondito studio della composizione gli permise di elaborare i suoi primi lavori importanti.
Nel 1908 ebbe occasione di conoscere Sergej Diaghilev, direttore della compagnia dei balletti russi operanti a Parigi.
Diaghilev intuì subito il talento di Stravinskij e decise di commissionargli alcuni brani, fra i quali i tre balletti che fecero la fortuna del musicista: L'uccello di fuoco, Petruska e La sagra della primavera.
In questi lavori Stravinskij mostra già di possedere una forte personalità e uno stile molto originale, legati entrambi alla capacità di reinterpretare e rielaborare elementi folklorici tradizionali della musica popolare russa.
La sua musica venne considerata da molti eccessivamente innovativa: forse non si erano accorti di trovarsi di fronte a uno degli uomini che avrebbero cambiato il cammino della storia della musica del '900.
Con lo scoppio della prima guerra mondiale, Stravinskij lasciò definitivamente la Russia per stabilirsi a Ginevra, in Svizzera, dove compose musiche in cui introdusse elementi tratti da vari generi musicali tra i quali anche il jazz.
Nascono così la Storia del soldato (un insieme di parti recitate, parti suonate e parti ballate), il famoso Ragtime composto per un gruppo di undici strumenti, e Piano rag Music, tutti con chiari riferimenti stilistici alla musica jazzistica americana, o afro-americana, e sempre caratterizzata da uno sfondo di lucida, intellettualistica ironia.
L'evoluzione stilistica di Stravinskij però non si ferma qui: nel 1919 egli accettò infatti di musicare un balletto su musiche di Pergolesi: nasce così Pulcinella, piccolo capolavoro in stile detto "neoclassico", che si fonda sulla ripresa e sulla rielaborazione di musiche del Settecento.
Negli ultimi anni di vita Stravinskij si avvicinò anche alla musica dodecafonica, ma le ultime opere del compositore russo hanno più il sapore della reazione che non dell'ulteriore apertura.
E' così possibile tracciare un collegamento immaginario fra la produzione del russo e certe ambientazioni sonore tipiche della Seconda Scuola di Vienna, così come in certe pennellate di incredibile colore, è possibile accomunare certe forme di linguaggio strawinskiano al linguaggio impressionistico-descrittivo di un Debussy.
Morì quasi novantenne, ormai conosciuto e apprezzato in tutto il mondo.

La fusione operata da Wagner fra il teatro musicale e la tradizione sinfonica tedesca, rappresenta una vera e propria rivoluzione, maturata attraverso l'assorbimento di tutti i motivi del romanticismo e l'affermazione di una nuova estetica in cui arte e vita si intrecciamo indissolubilmente.
Nato a Lipsia, fu con Verdi il massimo esponente del melodramma romantico.
Non fu soltanto compositore, ma anche poeta e critico di grande levatura intellettuale (non si deve però dimenticare che Wagner è autore di uno scritto di dubbia interpretazione intitolato "Gli ebrei nella musica ").
Le sue opere liriche furono concepite come un insieme di musica, parola e immagini, legate alla messa in scena teatrale.
Per questo motivo scelse di scrivere egli stesso i libretti della sue opere, ispirandosi soprattutto alla mitologia e alla storia del suo Paese.
Divenuto famoso e protetto dal re di Baviera Luigi II, fece costruire nella città di Bayreuth un teatro che rispondesse esattamente alle esigenze dell'estetica della sua opera.
Sul piano musicale, Wagner concepì l'opera come un continuo ininterrotto della melodia, in cui si inserirono i Leit-Motiv, cioè temi musicali ricorrenti, legati a un personaggio o a una particolare situazione della vicenda.
Ispirate al mondo della più lontana musica tedesca fu il "Tannhäuser", del 1845, che ci parla dei Minnesänger, cioè dei trovatori e trovieri tedeschi.
"I maestri cantori di Norimberga", fu forse l'unica opera di Wagner che, pur senza poter essere assolutamente definita comica, racconta una vicenda il cui sviluppo presenta un certo stato di serenità.
Ispirate a leggende medievali sono invece il "Lohengrin", "Tristano e Isotta", il "Parsifal", l'ultimo lavoro, rappresentato un anno prima della sua morte a Venezia e, soprattutto, il ciclo de "L'anello del Nibelungo".